: Resumen
Este poema, compuesto por diez estrofas de dos versos, es famoso por su dificultad para resumir debido a su naturaleza ambigua y abstrusa. Parece tratarse de una mujer que se ha suicidado recientemente o que pronto se suicidará.
Comienza con la descripción de una mujer «perfeccionada», cuyo cadáver sonríe con logro. Lleva una toga y sus pies están descalzos. Los pies sugieren que han viajado lejos pero ahora han llegado a su fin.
Varios niños muertos están doblados como serpientes, cada uno con una jarra de leche. La mujer los ha doblado en su cuerpo. Ella compara este efecto con los pétalos de rosa que se cierran cuando el jardín «se endurece» y sale el olor de la flor nocturna.
La luna mira hacia abajo sobre esta escena, pero no tiene motivo de tristeza porque está acostumbrada a «este tipo de cosas».
Análisis
Este es el último poema de Sylvia Plath, escrito pocos días antes de que se suicidara. Es una pieza breve, sombría y brutal que refleja la profundidad de su depresión.
Como ocurre con muchos de sus poemas, el tema de la muerte es bastante conspicuo. Hay una sensación de finalidad y derrota; la esperanza ha huido. De hecho, la mujer se considera «perfeccionada» en lugar de comprometida, lo que sugiere que su suicidio fue una señal de valentía y visión, no de cobardía. Plath crea un estado de ánimo inquietante y sombrío a través de la falta de color y las palabras repetidas que enfatizan la blancura, el vacío y el frío: «desnudo», «serpientes blancas», «leche» y «capucha de hueso» son algunos ejemplos. También hay alusiones a Medea («la ilusión de una necesidad griega»), quien en los mitos griegos vengó la traición de su marido matando a sus dos hijos. Esta alusión fomenta la sensación de sentimientos suicidas, especialmente cuando se recuerda que los griegos no creían que el suicidio fuera inequívocamente malo; en muchos casos, fue percibido como honorable.
Este poema es generalmente característico de la obra tardía de Plath, que, como escribe Tim Kendall, presenta «un estilo de mayor distanciamiento y resignación frente a un destino intratable». Este poema no pretende agradar al lector; desafía las categorías poéticas y existe para expresar la sensación de desesperanza y desapego del poeta, más que para comunicar una idea a una audiencia. Solo hay una mención de lo que podría considerarse placer: la mujer sonríe con una sensación de logro, tal vez por estar muerta, o tal vez porque se llevó a sus hijos con ella. Obviamente, esta sensación de placer es irónica en el mejor de los casos.
De hecho, el tema del infanticidio se cierne sobre este poema. Muchos críticos interpretan dos líneas particulares: «Cada niño muerto enroscado, una serpiente blanca» y «Ella los ha doblado / Los ha vuelto a meter en su cuerpo como pétalos», como evidencia de que Plath había contemplado seriamente matar a sus propios hijos como parte de su suicidio. Ella nunca intentó ningún acto de semejante atrocidad, pero el poema puede entenderse como al menos una consideración de la posibilidad.
La luna es una imagen interesante. Personificada como mujer, la luna mira hacia abajo impasible porque está acostumbrada a este tipo de escenas de tragedia. La muerte de la mujer «perfeccionada» no es ni antinatural ni inusual, sino simplemente un aspecto de la existencia humana. El desapego irónico radica en el estigma social contra el suicidio y en la creencia del narrador de que no tiene gran importancia. No afecta el orden cósmico, como se refleja en la perspectiva de la luna. La personificación femenina del observador desinteresado también sugiere que las mujeres están más acostumbradas a la tragedia que los hombres.
Las líneas cortas, con su escasa redacción, pueden indicar el agotamiento y la anticipación de Plath de una muerte inminente. Esta interpretación explica por qué ella «sonreiría con logro» y se deleitaría con la idea de finalidad. Sonríe porque sus pies no tienen otro lugar donde llevarla. El logro es doblemente notable para ella porque ya la han llevado hasta ahora. Se esfuerza poco en dar forma al poema porque «se acabó». Le queda muy poco que decir y ciertamente no ve la necesidad de defenderse. En cambio, el poema es una confesión de fatiga.
Sin embargo, el crítico Stephen Gould Axelrod mira el poema a través de una lente muy diferente: la de la crítica posmodernista y lingüística. En su lectura, el texto es indeterminado, con las palabras completamente distintas del significado. Axelrod se refiere a la idea de Roland Barthes del borde en blanco del discurso, en el que se puede percibir la muerte del lenguaje. Considera que «Edge» es un «epitafio poético». Los pergaminos y las palabras del poema son una «necesidad», pero los niños enroscados (que representan la poesía misma) están doblados hacia su yo vacío. En realidad, la mujer no puede ser perfeccionada porque sus textos son simplemente «fuerzas de significación en guerra». No importa lo que pretendiera escribir, los poemas ahora significan varias cosas diferentes. Como resultado, el hablante ha leído mal sus propios textos, el poeta ha escrito mal sus propios poemas y ya no expresan lo que ella pretendía. Quizás, por eso, los textos le están diciendo a la mujer que viva, que siga buscando el significado detrás de sus palabras. Axelrod concluye: «En un límite entre la metafísica y la indeterminación, así como entre la vida y la muerte, el último poema de Plath se abre al espacio que separa las palabras de sus referentes y significados, mientras que las sombras de la luna ‘crepitan y se arrastran’ para conmemorar la disolución». Por supuesto, incluso a partir de esta interpretación, la sensación de impotencia y la incomprensión de la propia pasión y el trabajo alimentan la idea de depresión suicida. Nadie negaría que el poema, sin importar si debe tomarse literal o figuradamente, es un grito desolador.