Un hábil poeta, editor y maestro, Richard Wilbur es esa rareza de la época, el poeta alegre. Durante la Segunda Guerra Mundial, su voz poética surgió de experiencias en el sur de Francia e Italia, donde comenzó a escribir con un propósito: poner orden en un mundo hecho pedazos. Es conocido por rechazar los confesionarios centrados en el yo de sus contemporáneos, y dividió su perfeccionismo lírico entre colecciones originales y traducciones galardonadas de Candide de Voltaire y las piezas de Jean Racine y Molière. Junto con un número extraordinario de citas por excelencia, se ha ganado su parte de bultos por evitar tragedias y ocultar ambivalencias. Sobre todo, los críticos parecen decididos a castigarlo por eludir las obsesiones modernas y posmodernas con el verso politizado y la experimentación estilística.
Richard Purdy Wilbur es nativo de Nueva York, nacido el 1 de marzo de 1921. Residió en Montclair, Nueva Jersey, y se graduó de Montclair High School y Amherst, donde conoció al poeta y maestro Robert Frost. Antes de unirse a la infantería del ejército, Wilbur se casó con Mary Charlotte Hayes Ward, madre de sus hijos: Ellen Dickinson, Christopher Hayes, Nathan Lord y Aaron Hammond. Después de la guerra, Wilbur asistió a Harvard y enseñó durante tres años como miembro junior. Después de terminar su maestría, sin intención de continuar como poeta, publicó dos títulos importantes, The Beautiful Changes (1947) y Ceremony and Other Poems (1950).
De 1952 a 1953, Wilbur se instaló en Sandoval, un enclave de artistas al noroeste de Albuquerque, Nuevo México. Después de enseñar inglés en Wellesley, se trasladó a la Universidad de Wesleyan, donde sirvió en la facultad durante veinte años. Al principio de su carrera como escritor, ganó el Premio Harriet Monroe, el Premio Edna St. Vincent Millay Memorial, el premio Oscar Blumenthal y dos becas Guggenheim. Completó una obra maestra, Things of This World: Poems (1957), que ganó el Premio Pulitzer y el National Book Award, y la siguió con Advice to a Prophet (1961) y Walking to Sleep (1969). En su madurez, colaboró con la dramaturga Lillian Hellman y el compositor Leonard Bernstein en una ambientación musical de la fantasía utópica de Voltaire Candide (1957) y tradujo tres de las comedias de Molière: El misántropo (1955), Tartufo (1963) y La escuela de esposas ( 1971). El segundo le valió el Premio Bollingen de traducción.
Durante las décadas de 1980 y 1990, Wilbur se mantuvo activo como maestro y poeta. Se desempeñó en Smith College como escritor residente y en la Biblioteca del Congreso como su segundo Poeta Laureado de los Estados Unidos. Sus publicaciones más recientes incluyen New and Collected Poems (1988) y A Game of Catch (1994), canciones infantiles en More Opposites (1991) y Runaway Opposites (1995), y dos traducciones adicionales, The School for Husbands de Molière (1992). y El cuerno imaginario (1993).
obras principales
Con un toque de heroísmo, «La muerte de una rana» de Wilbur (1950) ennoblece a un pequeño ser atacado por una cortadora de césped en un escenario tan delicadamente entretejido como una pintura impresionista. La forma meticulosa de las longitudes de las líneas, de cuatro a seis tiempos y de nuevo a cuatro, cuatro y tres, se ajusta al patrón de rima preciso de aabcbc. El propósito de tanta disciplina lingüística surge de los alegres latidos que elevan a un anfibio moribundo al ojo que todo lo ve de la naturaleza. Oculto en el cenador verde, permanece inmóvil mientras la fuerza vital se disipa. Malinterpretado como un sabio, el cuerpo renuncia a su vida, pero deja el ojo alerta.
Wilbur lleva el poema más allá de la muerte de la rana a la impresión que deja en el espectador. El poeta ajusta la imaginación con las múltiples posibilidades de «muere / Hacia un tono monótono y profundo», un toque de sinestesia (que describe una impresión sensorial con palabras que normalmente se usan para describir una impresión sensorial diferente) en el punto/tintura, y la fusión de sonido monocromático y el color único que camufla el cuerpo mutilado. La acción apretada empuja a la rana que exhala a destinos más altos en la tercera estrofa. Trasladado a un más allá anfibio, el espíritu de la rana deja atrás el cadáver inmóvil, que parece observar a través de la hierba segada a media distancia la innoble muerte del día.
Igualmente exuberante en imagen, rima y sibilancia, «Un mundo sin objetos es un vacío sensible» (1950) es una interpretación poética en una línea del poeta metafísico inglés Thomas Traherne. En latidos grandiosamente medidos, el poeta contrasta la esterilidad del desierto espiritual con la luz nutritiva del alma del mundo real. Con un doble saludo a los magos montados, magníficamente elevados y llevados en majestuosa marcha, el poeta llama a su espíritu errante, representado por el carro de camellos. El titular sirve como respuesta a los críticos que rechazan el desdén de Wilbur por los versos densos y emocionalmente retorcidos. En lugar de buscar oro escurridizo, impulsa su imaginación hacia recompensas más ricas en el mundo real, a diferencia del alcance externo de «juego de manos de arena fina», un juego de palabras con «juego de manos» o engaño. A diferencia de los espejismos que «brillan en el borde», la «luz encarnada» de la estrella de Belén sobre el pesebre de Cristo responde a la necesidad del espíritu.
En una etapa más madura del arte, Wilbur compuso su famoso monólogo dramático, «The Mind-Reader» (1976). En la tradición de «Andrea del Sarto» de Robert Browning, el orador reflexiona sobre la pérdida. De una visión a la deriva de un sombrero para el sol girando sobre una pared, el orador pasa a una llave de tubo más mundana sacudida de un camión y un libro caído de la mano del lector y resbalado por el costado de un barco de vapor. En cada acción, los objetos se pierden durante un movimiento hacia adelante, lo que contrasta con la pose estática del lector de mentes. En la línea 20, la clarividente inserta cuatro líneas para diferenciar entre objetos que escapan a la conciencia y otros atrapados en un olvido deliberado, una indicación de que su propia psique prefiere el olvido a la memoria.
El poema avanza en la línea 24 a un largo recuerdo de cómo, en la infancia, el lector de mentes se ganó la reputación de localizar objetos perdidos. Para explicar el arte, el orador expande el paisaje mental, un terreno difícil sobre el que la memoria busca elementos fuera de lugar. Empleando tres modelos: ojos que buscan en una multitud, una llave enredada en hilos enredados y una instantánea descolorida en un álbum, el locutor afirma que nada bueno o malo se olvida realmente, ni «La mezquindad, la obscenidad, la humillación / Terror» ni el «pulso / De felicidad.»
El poema se vuelve más personal en la línea 68 con una descripción de la tarifa diaria del lector de mentes. Sentado en un café e identificado por su cabello canoso y desgreñado y por fumar persistentemente, bebe día y noche mientras ayuda a una corriente de buscadores que buscan respuestas a sus problemas. El método de lectura de la mente requiere que el buscador escriba la pregunta en un papel. Mientras el orador fuma y hace el papel del oráculo de Delfos, utiliza la sabiduría práctica de la naturaleza humana para encontrar una respuesta. Implícita en la explicación está la miseria no declarada del hablante. Confesar la falsedad y tu propio dolor es la verdad del acto del lector de mentes: «No tengo respuestas». En la acción de derribo, su retiro de bebidas gratis sugiere que la capacidad de leer el sufrimiento de los demás es un engaño cuidadosamente organizado. Además de los hechos que recupera, presiona su propia conciencia para observar nada más que el olvido.
Temas de discusión e investigación
1. Compare el verso juguetón de Wilbur en Opposites, More Opposites, and Runaway Opposites con Children Sing in the Far West de Mary Hunter Austin, centrado en los niños.
dos. Compare las sensibilidades posteriores a la Segunda Guerra Mundial de «The Beautiful Changes» de Wilbur con la mirada científica incisiva de «Queen Anne’s Lace» de William Carlos Williams.
3. ¿Qué simboliza la imagen de la luz en «Un mundo sin objetos es un vacío sensible»?
4. Compare las imágenes cinéticas de «The Goldfish Wife» de Sandra Hochman con «Love Calls Us to the Things of This World» de Wilbur. Determine por qué pide «danzas claras hechas a la vista del cielo».
