Matthew Arnold: Poemas «Dover Beach» (1867) : Resumen y análisis

: Resumen

Una noche, el orador de «Dover Beach» se sienta con una mujer dentro de una casa, mirando hacia el Canal de la Mancha cerca de la ciudad de Dover. Ven las luces en la costa de Francia a solo veinte millas de distancia, y el mar está tranquilo y en calma.

Cuando la luz en Francia se apaga repentinamente, el hablante se enfoca en el lado inglés, que permanece tranquilo. Cambia imágenes visuales por imágenes auditivas, describiendo el «rugido rechinante» de los guijarros que son arrancados por las olas. Termina la primera estrofa llamando a la música del mundo una «nota eterna de tristeza».

La siguiente estrofa se remonta a la antigua Grecia, donde Sófocles escuchó este mismo sonido en el mar Egeo y se inspiró en él para escribir sus obras sobre la miseria humana.

La estrofa tres introduce la metáfora principal del poema, con: «El mar de la fe / Estuvo una vez, también, en la costa completa y redonda de la tierra». La frase sugiere que la fe se está desvaneciendo de la sociedad como la marea en la costa. El hablante lamenta este declive de la fe a través de una dicción melancólica.

En la estrofa final, el hablante se dirige directamente a su amada que se sienta a su lado, pidiéndole que siempre sean fieles el uno al otro y al mundo que se presenta ante ellos. Advierte, sin embargo, que la belleza del mundo es solo una ilusión, ya que de hecho es un campo de batalla lleno de gente luchando en la más absoluta oscuridad.

Análisis

Podría decirse que el poema más famoso de Matthew Arnold, «Dover Beach», logra comentar sus temas más recurrentes a pesar de su relativamente corta extensión. Su mensaje, como el de muchos de sus otros poemas, es que el misterio del mundo ha decaído frente a la modernidad. Sin embargo, ese declive se describe aquí como particularmente incierto, oscuro y volátil.

Lo que también hace que el poema sea particularmente poderoso es que su vena romántica casi no tiene tinte religioso. En cambio, habla del «Mar de la Fe» sin vincularlo a ninguna deidad o cielo. Esta «fe» tiene un matiz humanista definido: parece haber guiado las decisiones y suavizado los problemas del mundo, uniendo a todos de una manera significativa. No es casualidad que la vista que inspira tal reflexión sea la de la naturaleza intacta, casi completamente ausente de cualquier participación humana. De hecho, la verdadera reflexión del hablante comienza una vez que se apaga el único signo de vida, la luz en Francia. Lo que Arnold está expresando es una cualidad innata, un impulso natural hacia la belleza.

Explora esta contradicción a través de la que posiblemente sea la estrofa más famosa del poema, la que compara su experiencia con la de Sófocles. La comparación podría ser trivial, si el punto fuera simplemente que alguien mucho antes había apreciado el mismo tipo de belleza que él. Sin embargo, es conmovedor porque revela un potencial más oscuro en lo bello. Lo que la belleza natural nos recuerda es la miseria humana. Debido a que podemos reconocer la belleza de la naturaleza, pero nunca podemos trascender del todo nuestra naturaleza limitada para alcanzarla, podríamos sentirnos atraídos a lamentarnos y a celebrarla. Las dos respuestas no se excluyen mutuamente. Este sentimiento contradictorio se explora en muchos de los poemas de Arnold – «The Scholar-Gipsy» y «A Dream» son dos ejemplos – y muestra en otros poemas un instinto hacia lo trágico, la incapacidad humana para trascender nuestra debilidad (un ejemplo sería «Consolación», que presenta el tiempo como una fuerza trágica). Así, la alusión a Sócrates, un dramaturgo griego célebre por sus tragedias, es particularmente acertada.

Esta experiencia dual, entre la celebración y el lamento de la humanidad, es particularmente posible para Arnold, ya que la humanidad ha cambiado la fe por la ciencia tras la publicación de En el origen de las especies y el surgimiento del darwinismo. Irónicamente, el tumulto de la naturaleza, en el océano, no es nada comparado con el tumulto de esta nueva forma de vida. Es este último tumulto lo que asusta al hablante, lo que le hace rogar a su amante que se mantenga fiel a él. Le preocupa que el caos del mundo moderno sea demasiado grande y que ella se sorprenda al descubrir que incluso en presencia de una gran belleza como esa fuera de su ventana, la humanidad se está preparando para la destrucción. Detrás incluso de la apariencia de fe está el nuevo orden, y espera que puedan aprovechar este momento para mantenerlos juntos a pesar de tanta incertidumbre.

El poema personifica un cierto tipo de experiencia poética, en la que el poeta se centra en un solo momento para descubrir profundidades profundas. Aquí, el momento es la serenidad visceral que siente el hablante al estudiar el paisaje, y el miedo contradictorio que esa serenidad le lleva a sentir. Para lograr ese fin, el poema utiliza muchas imágenes e información sensorial. Comienza con representaciones principalmente visuales, que describen el mar en calma, la luna hermosa y las luces en Francia al otro lado del Canal. «Los acantilados de Inglaterra se erigen / Brillantes y vastos» no solo describe la escena, sino que establece cuán pequeños son los dos humanos detallados en el poema frente a la naturaleza.

Quizás lo más interesante es que la primera estrofa cambia de descripciones visuales a auditivas, incluyendo «el rugido rechinante» y «cadencia temblorosa lenta». La evocación de varios sentidos llena más la experiencia y crea la sensación de un momento abrumador y que lo abarca todo.

El poema también emplea mucho enjambment (la técnica poética de dejar una oración sin terminar en una línea, para continuar y terminarla en la siguiente). El efecto es darle al poema un ritmo más rápido: la información nos golpea en rápida sucesión, formando una imagen clara en nuestra mente poco a poco. También sugiere que Arnold no desea crear una imagen bonita destinada a la reflexión. En cambio, la hermosa vista es significativa debido al miedo y la ansiedad que inspira en el hablante. Debido a que el poema cruza tan maravillosamente la línea entre la reflexión poética y la incertidumbre desesperada, ha sido una pieza muy querida a lo largo de los siglos.

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