Ensayos críticos La estética de Oscar Wilde
Los fundamentos filosóficos del esteticismo fueron formulados en el siglo XVIII por Immanuel Kant, quien defendía la autonomía del arte. El arte debe existir por sí mismo, por su propia esencia o belleza. El artista no debe preocuparse por la moralidad o la utilidad, ni siquiera por el placer que una obra pueda brindar a su audiencia. El esteticismo fue apoyado en Alemania por JW von Goethe y en Inglaterra por Samuel Taylor Coleridge y Thomas Carlyle.
Benjamin Constant usó por primera vez la frase el arte por el arte (en francés, que significa «arte por el arte» o «arte por el arte») en 1804; Victor Cousin popularizó las palabras que se convirtieron en un eslogan para el esteticismo en la década de 1890. Escritores franceses como Théophile Gautier y Charles-Pierre Baudelaire contribuyeron significativamente al movimiento.
Oscar Wilde no inventó el esteticismo, pero fue un líder dramático en la promoción del movimiento hacia fines del siglo XIX. Wilde fue especialmente influenciado como estudiante universitario por las obras del poeta y crítico inglés Algernon Charles Swinburne y el escritor estadounidense Edgar Allan Poe. El ensayista inglés Walter Pater, un defensor del «arte por el arte», ayudó a dar forma a la estética humanista de Wilde, en la que estaba más preocupado por el individuo, el yo, que por los movimientos populares como el industrialismo o el capitalismo. El arte no se hizo para instruir y no debe preocuparse por la orientación social, moral o política.
Al igual que Baudelaire, Wilde abogó por la libertad de las restricciones morales y las limitaciones de la sociedad. Este punto de vista contradecía la convención victoriana de que las artes deberían ser espiritualmente edificantes e instructivas. Wilde fue un paso más allá y afirmó que la vida del artista era incluso más importante que cualquier obra que produjera; su vida sería su obra más importante.
La obra crítica más importante de Wilde, publicada en mayo de 1891, es un volumen titulado intenciones. Consta de cuatro ensayos: «La decadencia de la mentira», «Pluma, lápiz y veneno», «El crítico como artista» y «La verdad de las máscaras». Estos y el ensayo contemporáneo «El alma del hombre bajo el socialismo» afirman el apoyo de Wilde al esteticismo y proporcionan el contexto filosófico para su novela. El retrato de Dorian Gray.
«The Decay of Lying» se publicó por primera vez en enero de 1889. Wilde lo llamó una «trompeta contra la puerta de la estupidez» en una carta a Kate Terry Lewis. El diálogo, que Wilde sintió que era el mejor, tiene lugar en la biblioteca de una casa de campo en Nottinghamshire. Los participantes son Cyril y Vivian, que eran los nombres de los hijos de Wilde (este último escrito «Vyvyan»). Casi de inmediato, Vivian defiende uno de los postulados del esteticismo de Wilde: el arte es superior a la naturaleza. La naturaleza tiene buenas intenciones, pero no puede llevarlas a cabo. La naturaleza es tosca, monótona y carente de diseño en comparación con el arte.
Según Vivian, el hombre necesita el temperamento del verdadero mentiroso «con sus declaraciones francas y audaces, su soberbia irresponsabilidad, su sano y natural desdén por cualquier tipo de prueba». Los artistas con esta actitud no estarán esposados por hechos estériles, sino que podrán decir hermosas verdades que nada tienen que ver con los hechos.
«Pen, Pencil and Poison» se publicó por primera vez en enero de 1889. Es un ensayo biográfico sobre el notorio escritor, asesino y falsificador Thomas Griffiths Wainewright, que utilizó el seudónimo de «Janus Weathercock».
El enfoque de Wilde es que las actividades criminales de Wainewright revelan el alma de un verdadero artista. El artista debe tener una «concentración de visión e intensidad de propósito» que excluya el juicio moral o ético. Los verdaderos estetas pertenecen a los «elegidos», como los llama Wilde en «La decadencia de la mentira», y están más allá de estas preocupaciones. Como actos creativos, no existe una diferencia significativa entre el arte y el asesinato. El artista a menudo oculta su identidad detrás de una máscara, pero Wilde afirma que la máscara es más reveladora que el rostro real. Los disfraces intensifican la personalidad del artista. La vida misma es un arte, y el verdadero artista presenta su vida como su mejor obra. Wilde, quien trató de hacer esta distinción en su propia vida a través de sus intentos de recrearse a sí mismo, incluye este tema en El retrato de Dorian Gray.
El más largo de los juicios en intenciones, «El crítico como artista» apareció por primera vez en dos partes (julio y septiembre de 1890) con el significativo título «La verdadera función y valor de la crítica; con algunos comentarios sobre la importancia de no hacer nada: un diálogo». Se considera una respuesta al ensayo de Matthew Arnold «La función de la crítica en tiempo presente» (1865). La posición de Arnold es que la facultad creativa es superior a la crítica. La tesis central del ensayo de Wilde es que el crítico debe ir más allá de la obra creativa que considera.
El escenario del diálogo es una biblioteca en una casa en el área de Piccadilly de Londres, con vista a Green Park, y los personajes principales son Gilbert y Ernest.
Junto al tema central de la importancia del crítico, Gilbert defiende el sentido del individuo. El hombre hace los tiempos; los tiempos no hacen al hombre. Además, argumenta que «el pecado es un elemento esencial del progreso». El pecado ayuda a afirmar la individualidad ya evitar la monotonía del conformismo. Las reglas de la moralidad no son creativas y, por lo tanto, son malas.
La mejor crítica debe abandonar las pautas comunes, especialmente las del Realismo, y aceptar la estética del Impresionismo – qué lector sentimientos al leer una obra de literatura, en lugar de un lector él piensa, o razones, mientras lee. El crítico debe trascender los hechos literales y considerar las «pasiones imaginativas de la mente». El crítico no debe buscar explicar una obra de arte, sino ahondar en su misterio.
«La verdad de las máscaras» apareció por primera vez en mayo de 1885 bajo el título «Shakespeare y el traje de escenario». El ensayo fue originalmente una respuesta a un artículo escrito por Lord Lytton en diciembre de 1884, en el que Lytton argumentó que Shakespeare tenía poco interés en los disfraces que usaban sus personajes. Wilde toma la posición opuesta.
Más importante aún en el contexto de intenciones, El propio Wilde siempre puso gran énfasis en la apariencia y en las máscaras o disfraces con los que el artista o individuo se enfrenta al mundo.
Wilde también plantea el tema de la autocontradicción. En el arte, dice, no existe la verdad absoluta: «Una verdad es aquella cuyo contradictorio también es verdadero». Este sentimiento recuerda el tremendo respeto de Wilde por los pensamientos de Walt Whitman. En «Song of Myself», Whitman escribe: «¿Me contradigo? / Está bien, entonces me contradigo, / (soy grande, retengo multitudes)».
«El alma del hombre bajo el socialismo» apareció por primera vez en febrero de 1891. En él, Wilde expresa su estética principalmente a través del énfasis del ensayo en el individuo. En una interpretación inusual del socialismo, Wilde creía que el individuo podía prosperar bajo el sistema. Así advierte contra los gobernantes tiránicos y concluye que la mejor forma de gobierno para el artista es no tener ningún gobierno.
En este ensayo, es fácil ver que a Wilde le encantaba sorprender. Si Walt Whitman quería despertar al mundo con su «rugido bárbaro», Wilde prefería los aforismos, la paradoja, la ironía y la sátira. Si bien Wilde no quiere que lo acusen de sinceridad, ciertamente se dedicó al esteticismo tanto en su vida como en su arte.