La feminista, rebelde social y figura literaria popular de la era del jazz temprano Edna St. Vincent Millay es posiblemente el mejor sonetista de Estados Unidos. Se ganó la reputación de dominar el drama en verso y la poesía intrincada y emocional libre de la hipocresía victoriana. Con una gracia sensual y fluida, contenía sus pasiones en formas poéticas tradicionales. Sus poemas propugnan un conocimiento íntimo y, a veces, distante del amor, pero durante mucho tiempo ha evitado a los pretendientes que amenazaban su individualidad de espíritu libre y su determinación de escribir. Su talento maduro ha mantenido una sensibilidad y valentía que equilibra el desamor con el humor.
Millay nació el 22 de febrero de 1892 en Rockland, cerca de Penobscot Bay, Maine, escenario de sus poemas naturalistas, así como de sonetos localizados como «I Shall Go Back» y «The Cameo». La mayor y favorita de tres niñas, «Vincent» creció en Camden bajo la mano amorosa de su madre, quien crió sola a tres niñas después de la abrupta partida de su esposo en 1900. Animada a estudiar piano y literatura, Millay se graduó de Camden. Alto No apreciada por su esnobismo intelectual, no pudo ganar el puesto de poeta porque colegas rencorosos se negaron a votar por ella.
A los 14 años, Millay publicó «La tierra del romance» en la literatura actual. A los 19 años, y ya ganadora del premio de la Sociedad Intercolegial de Poesía, alcanzó una rara madurez con «Renascence», elegida entre 10.000 entradas para la antología The Lyric Year (1912). La más perdurable de sus líneas, «Oh, mundo, no puedo mantenerte lo suficientemente cerca», presenta «El mundo de Dios», una autorrevelación inventiva que ganó elogios duraderos de la crítica.
La recepción pública trajo a Millay a una mecenas, Caroline B. Dow, quien la escuchó leer «Rebirth» en el Whitehall Inn. Dow pagó la matrícula universitaria de Millay en Vassar, donde el estudio del idioma y el fermento feminista infundieron sus inclinaciones socialistas. Animada por un vínculo romántico con el poeta Arthur Davison Ficke, comenzó un ciclo de sonetos mientras completaba una carrera, que se vio momentáneamente amenazada cuando fue suspendida por desobediencia. En 1917, publicó un primer volumen, Renacimiento y otros poemas, que consta de letras y sonetos isabelinos y de Shakespeare.
Con la intención de seguir una carrera como actriz, Millay se instaló en Greenwich Village, Nueva York, donde ayudó a fundar el Teatro Cherry Lane. Para ganarse la vida, se desempeñó como secretaria personal y relatora independiente para Ainslee y Metropolitan bajo el seudónimo de Nancy Boyd. Sus sueños de actuar se desvanecieron, pero su drama experimental en un acto Aria da Capo, una obra estilizada que protestaba contra la Primera Guerra Mundial, floreció en el Provincetown Playhouse en 1919. Influenciada por los radicales de Village, expresó la conciencia social, el pacifismo y la libertad sexual en A Pocos higos de cardos (1920), que mostraba un amor eufórico en «Recuerdo» y un cinismo notorio en «Mi vela quema por los dos extremos», una sentida declaración de vida no convencional.
El lanzamiento del 2 de abril (1921) consolidó la reputación de Millay como la poeta principal del día y la portavoz de la mujer independiente, a quien defendió por establecer estándares personales de amor y sexualidad. Completó dos obras más, Two Slatterns and a King (1921) y The Lamp and the Bell (1921).
Millay consolidó aún más su lugar en la literatura estadounidense con su soneto tour de force en The Ballad of the Harp Weaver and Other Poems (1923), que le valió un premio Pulitzer de poesía, el primero otorgado a una escritora. Después de su matrimonio con el importador holandés-estadounidense Eugen Jan Boissevain, su salud se deterioró. La pareja se instaló en los Berkshires en Steepletop, una granja aislada de 700 acres en Austerlitz, Nueva York, en 1925. En colaboración con Deems Taylor, proporcionó un libreto de versos en blanco escritos en palabras de una sola sílaba para el popular The King’s Henchman. (1927), que la Metropolitan Opera produjo en el escenario y en forma de libro popular.
Todavía dedicada a temas radicales a pesar de sus energías comprometidas, Millay hizo una cruzada de misericordia para los anarquistas Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti, una causa célebre del período conmemorado en «Justicia denegada en Massachusetts» y «Miedo», una vehemente diatriba publicada en Outlook. Estuvo en vigilia en Boston Court House la noche de 1927, cuando los dos fueron ejecutados por robo de nómina y asesinato, y dedicó las ganancias de The Buck in the Snow and Other Poems (1928) a su defensa póstuma. Sin su entusiasmo juvenil, luchó contra dolores de cabeza, distorsión visual y dolor abdominal no diagnosticado mientras escribía versos ingeniosos e intensamente personales mezclados con temas contemporáneos, recopilados en Fatal Interview (1931) y Wine from These Grapes (1934), que presenta una excelente secuencia de sonetos, Epitafio para la Raza del Hombre. Además, honró a su amiga y colega, la poeta Elinor Wylie, con seis elegías en Huntsman, What Quarry? (1939).
Mientras el mundo corría hacia una segunda guerra global, Millay lanzó Make Bright the Arrows: 1940 Notebook (1940), There Are No Islands Any More (1940), Collected Sonnets (1941), Writers’ War Board The Murder of Lidice (1942). ), que detalla las atrocidades nazis, y Collected Lyrics (1943), que influyó en el estilo de los poetas Sylvia Plath y Anne Sexton. La intensa propaganda radical y el activismo político la debilitaron aún más en 1944, cuando publicó Poem and Prayer for an Invasive Army. Mientras estuvo recluida en los meses posteriores a la muerte de su esposo, bebió mucho. El 19 de octubre de 1950 murió de insuficiencia cardíaca en lo alto de las escaleras de su casa. Steepletop, la finca donde están enterradas sus cenizas, fue escenario de un funeral privado. Su último volumen, Mine the Harvest, publicado en 1954, contiene obras de la última década de su vida y presenta su saludo al soneto «I Will Put Chaos into Fourteen Lines».
obras principales
calle edna Vincent Millay fue categorizada erróneamente como una mujer más que escribía sobre el amor hasta que las críticas feministas revivieron su canon con nuevos conocimientos sobre sus imágenes crudas y comentarios sobre temas humanistas. Una parte considerable de su obra temprana exhibe un borde intelectual duro y un determinismo más duro. Uno de los primeros sonetos, «Euclid Alone Has Looked on Beauty Bare» (1923), elogia la estructura. Para demostrar la lógica, el texto restringe aún más la forma petrarquiana a catorce líneas, reduciendo el número de rimas de cinco a cuatro. El esquema de rima de abbaabbacddccd solo admite un pie femenino con «nowhere», que termina en un compás. El tema también está estrictamente controlado, centrándose en la geometría como la única belleza pura.
En contraste, «The Return» (1934), un estudio menos idealizado de la fugacidad, retrata la naturaleza como una entidad constante y desapasionada, separada del romanticismo, el escapismo, la religión y la filosofía que los humanos invierten en ella. El texto desarrolla un enfoque lírico con versos de cuatro tiempos que riman abab. En cinco cuartetas, vuelve a objetivar la naturaleza al describir a la madre tierra recibiendo seres muertos -un hombre y un lince- que «llegan arrastrando sangre a su puerta». Desprovista de dolor externo, la diosa divina ofrece refugio, pero no piedad, porque el sentimiento es incompatible con la naturaleza. El desapego sugiere un alejamiento del sufrimiento que los escritores de la era posterior a la Primera Guerra Mundial encontraron difícil de lograr.
En 1928, Millay produjo «Dirge Without Music», un lamento de amor inquietantemente claro y agridulce. La duodécima línea ofrece solo un vistazo de la persona de ojos brillantes que el poeta que habla no ha visto. Comenzando con un argumento petulante y prolijo a favor del duelo privado, el poeta que habla se detiene en la línea 2 con una pausa de cuatro etapas firmemente resignada: «Así es y así será, porque así ha sido». Luchando contra la impermanencia hasta la tumba, lleva el resentimiento como un bate olímpico en una declaración forzada: «Lo sé. Pero no lo apruebo». La estrofa final, devuelta al anterior ensimismamiento con la boca cerrada, termina con la repetición de la desaprobación anterior del hablante, como si su mente no pudiera transigir en el asunto de perder a un ser querido.
Después de dos décadas de centrarse en el verso técnicamente preciso, Millay escribió «On Thought in Harness». Con su emotivo verso de estilo libre en tres estrofas rimadas, la poeta derribó las críticas de que ella era una purista colocada legítimamente entre los tradicionalistas eduardianos. Como testimonio de su versatilidad, el poema es una antítesis adecuada de «I Will Put Chaos into Fourteen Lines». Con diferentes longitudes de línea, duda en dejar que su mente se libere de restricciones antinaturales.
El principal deleite del poema es una metáfora controladora del halconero con el pájaro encapuchado. Es significativo que el pájaro sea femenino, un símbolo de feminidad inhibida. Un detalle impactante en la línea 9 señala: «Tu cabeza apesta a tu capucha, tus plumas apestan / A mí, que se estremece con el trueno». La franca introspección del poeta produce una notable lista de órdenes al halcón, que ordena: «Asciende, come éter, mira lo que nunca se ha visto; vete, piérdete. / Pero asciende». La producción de formas métricas más estrictas complementa las obras anteriores con un ritmo deliberado que termina en un doble tiempo resuelto.
Un deseo similar de escapar de las asfixiantes convenciones domina «Wild Swans», una seria y compleja estrofa de ocho versos que rima abbccbbc. La inversión de posiciones, pájaro con mujer, sitúa al poeta-hablante dentro de la casa y la banda migratoria en lo alto. Una vez más, Millay muestra su determinación con un doble tiempo y una pausa de fondo mientras grita: «Cisnes salvajes, venid a la ciudad, venid / La ciudad otra vez, arrastrando las piernas y llorando». Al igual que la campana del poema anterior, la casa se sofoca con sus implicaciones de lúgubre domesticidad, pero el poeta no culpa al ama de casa sino a su «corazón cansado, siempre viviendo y muriendo». La identificación con la huida salvaje transfiere el llanto al hablante, quien se siente obligado a irse y cerrar la puerta detrás de él.
Temas de discusión e investigación
1. Resume el tono y los valores personales de «I Shall Go Back», «Pity Me Not», «Sonnet xli» y «Sonnet xcv» a la luz del progreso feminista hacia la igualdad política y económica a principios de la década de 1920.
dos. Compare la protesta refinada de «Justicia denegada en Massachusetts» de Millay con los arrebatos más estridentes de Allen Ginsberg y el movimiento Beat.
3. Analiza los detalles cotidianos y el realismo psicológico de los Sonetos de un árbol sin injertar. Da cuenta de tu simpatía por la pareja de granjeros incompatibles.
4. Determinar el valor de la literatura y la música para Millay en el ferviente apóstrofe «Al escuchar una sinfonía de Beethoven».
5. Discuta cómo Millay caracteriza la naturaleza en «The Return».
